С ЧЕГО НАЧАТЬ СЛУШАТЬ КЛАССИЧЕСКУЮ МУЗЫКУ, ЧТОБЫ НАУЧИТЬСЯ ЕЕ ПОНИМАТЬ. С чего начать знакомство с классической музыкой


Знакомство с классической музыкой: с чего начать

Интересно то, что на фоне явного однообразия современной популярной музыки многие, и в основном - молодежь, считают музыку классическую скучной и не достойной внимания. Почему так происходит?

Ответ предельно прост: скорее всего те, кто утверждает и считает, что классическую музыку слушать невозможно, с ней по-настоящему никогда в своей жизни и не сталкивались.

Чтобы научиться слушать и слышать академическую музыку, не требуется специального музыкального образования и знакомства с кучей музыковедческой литературы. Просто всего лишь нужно желание и готовность к интелектуальной работе, а этого хочется далеко не всем. Почему современная музыка пользуется большой популярностью? Да потому, что она не заставляет своих слушателей напрягать извилины. Еще молодежь не ведает, что и как делать с классической музыкой потому, что им этого элементарно не объяснили.

Чтобы научиться слушать и правильно воспринимать классическую музыку, надо следовать нескольким простым советам:

1. Новичку не рекомендуется слушать все без разбору. Свое знакомство с классикой стоит начинать с произведений трех наиболее известных композиторов — Баха, Бетховена и Моцарта. Большинство их поизведений легки для восприятия. Можно добавить также в этот список и произведения Вивальди, в частности его широкоизвестный цикл «Времена года».

2. Через какое-то время можно будет начинать знакомство с операми и оперными ариями таких композиторов как Чайковский, Верди, Пуччини. Слушать оперы тоже нужно уметь правильно. Записи стоит подбирать на понятном языке и перед прослушиванием важно прочесть краткое содержание или либретто, чтобы войти в курс сценической ситуации.

3. Знакомство с классической музыкой ХХ века лучше оставить на потом, иначе есть риск просто ее не понять и получить о ней неправильное представление. Ведь малых детей не принято кормить сразу мясом? Вот и здесь та же ситуация.

В целом же вся суть знакомства с классической музыкой сводится к принципу: от простого к сложному. Научиться слушать и понимать классическую музыку может каждый. Главное — желание получать новые впечатления, умение думать и размышлять.

1000sovetov.ru

С ЧЕГО НАЧАТЬ СЛУШАТЬ КЛАССИЧЕСКУЮ МУЗЫКУ, ЧТОБЫ НАУЧИТЬСЯ ЕЕ ПОНИМАТЬ: deligent

С ЧЕГО НАЧАТЬ СЛУШАТЬ КЛАССИЧЕСКУЮ МУЗЫКУ, ЧТОБЫ НАУЧИТЬСЯ ЕЕ ПОНИМАТЬ

С ЧЕГО НАЧАТЬ СЛУШАТЬ КЛАССИЧЕСКУЮ МУЗЫКУ, ЧТОБЫ НАУЧИТЬСЯ ЕЕ ПОНИМАТЬ

Вокруг классической музыки витает множество легенд и мифов. Например, что Моцарта отравил Сальери. Или что музыканты — люди не от мира сего. И что классическая музыка — искусство элитарное, понять которое дано лишь избранным.

Конечно, в действительности все это не так. С чего начать слушать классическую музыку так, чтобы научиться ее понимать, разбираемся вместе с Викторией Ивановой.

ЭДВАРД ГРИГ. СЮИТЫ ИЗ МУЗЫКИ К ДРАМЕ ИБСЕНА «ПЕР ГЮНТ»

Если вы никогда не слушали классическую музыку, то начать лучше с музыки программной. «Пер Гюнт» Грига в этом случае — вариант идеальный.

Во-первых, эту музыку вы точно узнаете: она очень популярна.

Во-вторых, названия каждой из пьес подскажут вам, что именно хотел сказать в ней композитор. Ну а в-третьих, на помощь может прийти и само повествование Ибсена: в музыке сокрыто гораздо больше деталей, чем может показаться на первый взгляд.

Безусловно, нельзя обойти вниманием «Утро», «Танец Анитры», «Смерть Озе», «Пещеру горного короля» и «Песню Сольвейг». Кроме того, пьесы совсем небольшие по длительности, так что заскучать вы не успеете.

Если же вы проникнетесь красотой норвежских музыкальных фьордов — можно смело переходить к его же Концерту для фортепиано с оркестром.

АНТОНИО ВИВАЛЬДИ. «ВРЕМЕНА ГОДА» Цикл из четырех скрипичных концертов «Времена года» — одно из самых известных сочинений Вивальди.

Каждый концерт соответствует одному времени года и состоит из трех частей — трех месяцев. При этом каждое время года композитор сопроводил сонетом (считается, своего же авторства), в котором объясняется не только содержимое концерта, но и приводятся занятые аллегории — например, про связь времени года и человеческого возраста.

Впрочем, слушателю, особенно начинающему, не стоит ограничивать свое воображение только содержанием сонета: музыка Вивальди настолько изобразительна, что практически каждый сможет услышать в концертах грозу, журчанье ручьев, шелест листвы и даже лай собаки.

ПЕТР ИЛЬИЧ ЧАЙКОВСКИЙ. «ВРЕМЕНА ГОДА» По схожему принципу выстроен и фортепианный цикл самого известного русского композитора с одноименным названием.

12 пьес символизируют 12 месяцев, каждой предписан поэтический эпиграф — правда, в отличие от Вивальди, Чайковский не планировал этого заранее, но и возражать не стал.

Для композитора же наиболее важной казалась жанровая разноплановость: так, пьеса «Святки» получила подзаголовок «Вальс», а «Жатва» — «Скерцо».

ФРЕДЕРИК ШОПЕН. ВАЛЬСЫ, НОКТЮРНЫ, ЭТЮДЫ И ДРУГИЕ МИНИАТЮРЫ Как скажет вам любой меломан — Шопена много не бывает.

И слушать его при этом можно с любой фортепианной миниатюры, будь то знаменитый Вальс до-диез минор, Баркарола или Скерцо.

Единственный совет — первое время лучше избегать фортепианных сонат и начать именно с небольших пьес (к слову, «тот самый» похоронный марш — как раз третья часть Второй сонаты композитора).

Шопена интересно не только слушать, но и смотреть: как правило, исполнение его сочинений требует от пианиста совершенно определенного, высокого уровня мастерства.

ЛЮДВИГ ВАН БЕТХОВЕН. СИМФОНИЯ № 5 Симфония — вершина мышления композиторов-классиков.

Это монументальный жанр, в рамках которого действуют свои законы и происходят свои метаморфозы. Научиться понимать симфонию — значит научиться понимать все.

Очень трудно найти симфонию, которая подошла бы для этих целей лучше, чем Пятая симфония Бетховена. Прежде всего потому, что главный ее мотив известен абсолютно всем.

С него начинается симфония, он же проходит через все сочинение, обрастая музыкальными тембрами, контекстами и смыслами, что позволяет даже начинающему меломану почувствовать радость узнавания темы.

Сам же Бетховен охарактеризовал мотив фразой «Так судьба стучится в дверь». Известно, что именно эту симфонию он писал дольше, чем другие свои сочинения: она не отпускала композитора три года.

В этот период Бетховен особенно тяжело переживал из-за прогрессирующего серьезного недуга — глухоты. Но, как сам он написал другу:

«Я хочу схватить судьбу за глотку. Ей не удастся окончательно сломить меня. О, как прекрасно прожить тысячу жизней!»

Все это — зловещий рок, драма от осознания беды и героическое решение не сдаваться — воплотилось в этой музыке.

СЕРГЕЙ СЕРГЕЕВИЧ ПРОКОФЬЕВ. СЮИТЫ ИЗ МУЗЫКИ БАЛЕТА «РОМЕО И ДЖУЛЬЕТТА» Считается, что начинать слушать классическую музыку с сочинений Сергея Прокофьева не самая хорошая идея, но сюиты из «Ромео и Джульетты» наилучшим образом доказывают обратное.

Прежде всего потому, что самую знаменитую пьесу, «Монтекки и Капулетти» (в балете же она называется «Танец рыцарей»), вы точно уже слышали.

Остальные пьесы сюит ничуть не хуже: обязательно стоит уделить внимание озорной «Джульетте-девочке», лиричной «Ромео и Джульетта перед разлукой» и трагичному «Меркуцио».

Неслучайно ведь 2016 год объявлен в России Годом Прокофьева, и из всех исполняемых за рубежом отечественных композиторов именно Прокофьев входит в число лидеров.

И пусть вас не смущает, что балетная музыка звучит без танца: к слову сказать, премьера сочинения долго не могла состояться в том числе потому, что непривычный тогда музыкальный язык Прокофьева приводил артистов балета в ужас.

МОДЕСТ ПЕТРОВИЧ МУСОРГСКИЙ. «КАРТИНКИ С ВЫСТАВКИ» Театр одного актера — так можно охарактеризовать этот фортепианный цикл Модеста Мусоргского.

История создания «Картинок» восходит к трагическим событиям в жизни композитора: болезням и длительным отъездам друзей.

Одним из сильнейших ударов для Мусоргского стала внезапная смерть художника Виктора Гартмана. Спустя год после кончины была организована выставка его картин и поделок, которая произвела на композитора сильнейшее впечатление.

В «Картинках» он запечатлел и странного «Гнома» (на самом деле это были щипцы для орехов), и «Бабу-ягу» (а это — часы в виде избушки на курьих ножках), и «Старый замок», и «Балет невылупившихся птенцов», и собственные прогулки по экспозиции.

А если постараться, то можно услышать, как Баба-яга на метле на полной скорости врезается в «Богатырские ворота».

ПЕТР ИЛЬИЧ ЧАЙКОВСКИЙ. КОНЦЕРТ ДЛЯ ФОРТЕПИАНО С ОРКЕСТРОМ № 1 Про этот концерт можно рассказывать бесконечно долго.

Ведь это не только первый фортепианный концерт в творчестве самого знаменитого русского композитора, но и первый русский фортепианный концерт вообще.

Также его называют «концертом победителя», говоря о главном музыкальном конкурсе страны — Конкурсе имени Чайковского.

Работая над этим концертом, Чайковский думал о конкретном посвящении — сочинение предназначалось пианисту Николаю Рубинштейну (который, к слову, основал Московскую консерваторию).

Однако тот посчитал концерт чрезвычайно сложным и неудобным для исполнения. В итоге впервые концерт сыграл Сергей Танеев, а посвящение Чайковский и вовсе передал ученику Листа — Гансу фон Бюлову.

В наше время же концерт настолько популярен, что практически ежедневно его можно услышать в разных уголках мира. А познакомиться с ним целиком стоит хотя бы ради того, чтобы узнать, что следует за знаменитым вступлением.

СЕРГЕЙ ВАСИЛЬЕВИЧ РАХМАНИНОВ. КОНЦЕРТ ДЛЯ ФОРТЕПИАНО № 2 Если во время прослушивания этого концерта вам покажется, что эта музыка знакома вам по кино, можете не сомневаться — так и есть.

Фрагменты музыкальных тем Второго концерта Рахманинова можно услышать даже в фильмах «Дневник Бриджит Джонс» и «Бинго-Бонго».

Этот концерт действительно один из самых популярных фортепианных концертов в мире. При этом сколько пианистов, столько и интерпретаций.

Дословно известно, что Рахманинов посвятил его своему психотерапевту Николаю Далю, который помог композитору справиться с тяжелейшей депрессией после провала его Первой симфонии.

Даль же был знаменит навыками гипноза — и иногда может показаться, что что-то гипнотическое перешло и на музыку концерта.

ДМИТРИЙ ДМИТРИЕВИЧ ШОСТАКОВИЧ. СИМФОНИЯ № 7 (ЛЕНИНГРАДСКАЯ) Пожалуй, из всех симфоний Шостаковича для начала следует выделить именно эту.

И дело даже не в самой ее знаменитой теме — теме нашествия или войны, — а в ее значении.

Известно, что главную тему первой части Шостакович написал еще до войны. Война же застала Шостаковича в Ленинграде, но он продолжал писать и во время блокады (правда, это было недолго: 1 октября 1941 года композитор с семьей был вывезен из Ленинграда).

В итоге симфония была закончена в Куйбышеве в декабре 1941 года, где в марте 1942 года ее впервые исполнил оркестр Большого театра под руководством Самуила Самосуда.

Спустя четыре месяца симфония прозвучала в самом блокадном Ленинграде: для этого в мае самолет доставил в осажденный город партитуру, а численность оркестра Ленинградского радиокомитета маэстро Карлу Элиасбергу пришлось восполнять музыкантами из военных частей.

Несмотря на бомбы и авиаудары, на время исполнения симфонии в филармонии зажгли все люстры. А музыка транслировалась по радио и уличным громкоговорителям города.

Как признавались очевидцы, именно тогда немцы поняли, что город — не мертв, и победу им не одержать.

deligent.livejournal.com

Как правильно слушать музыку и создавать балеты, которые будут смотреть? Часть 1 • BALLETRISTIC

Американский композитор и пианист Ричард Камерон-Вульф исследует взаимосвязи между танцем и музыкой, продвигает современную классическую музыку, пишет микро-оперы, выступает и преподает. Камерон-Вульф – в прошлом музыкант известных балетных компаний и танцевальных театров вроде Joffrey Ballet and Jose Limon Company. И в первой части большого интервью для Balletristic он рассказал об особенностях работы с танцовщиками, о том, почему публике сложно воспринимать современные произведения, как художникам взаимодействовать с аудиторией, и с чего начинать знакомство с классикой.

Как танец взаимодействует с музыкой?

Музыка и движение, нередко представленные вместе с поэзией и пением, связаны друг с другом еще со времен зарождения цивилизации. Взять, к примеру, средневековых трубадуров и труверов, которые были одновременно певцами, поэтами, танцовщиками и шутами. Или ренессансные социальные танцы, такие как павана и гальярда: они исполнялись в народе и при дворе в сопровождении музыкальных ансамблей и в итоге стали основой балета.

С ранних лет мне нравилось аккомпанировать танцовщикам на фортепиано, так как я интуитивно понимал, что эти два вида искусства неразрывно связаны. В классическом балете эта взаимосвязь движений с каждым музыкальным импульсом или фразой всегда была особенно заметна.

К сожалению, танцовщики балета чаще сосредотачиваются на технике и своем отражении в зеркале, чем на глубоком ощущении музыки. С ними аккомпаниатор нередко чувствует себя второстепенной фигурой, в то время как в современном танце артисты ярко реагируют на малейшие звуковые импульсы, которые заставляют их двигаться. В США современные танцовщики нередко изучают анатомию и биомеханику, поэтому они лучше знают свое тело и им не нужно полагаться на зеркало. Также преподаватели современных танцевальных техник не требуют от своих учеников выглядеть и исполнять движения одинаково. Поэтому, чтобы глубже вовлекаться в процесс, балетным танцовщикам следует чаще прислушиваться к себе, выяснять, как работает тело, и что приводит его в движение.

Вместе балет и современный танец могли бы добиться интересных результатов, как в технике, так и в эстетике. В качестве примера можно посмотреть хореографию Игала Перри и Элиота Фелда 80-х годов: их балетам присуща впечатляющая свобода современного танца.

Почему люди до сих пор слушают и смотрят классику?

В школах, где изучается классическая музыка, молодежи прививают мысль о том, как важно знать все исторические шедевры. Но с давних времен и до конца 19 века люди слушали исключительно музыку своего времени – новую музыку. Как только создавался новый танец, все хотели его выучить, или хотя бы увидеть. Словом, люди жили настоящим и всегда стремились к новизне.

Все изменилось в 19 веке, когда университеты начали рассматривать музыку как академическую дисциплину. Люди стали изучать ее историю, анализировать и выстраивать теоретические  шаблоны. Академики сосредоточились на прошлом, в то время как современная музыка конца 19 столетия совершала сложный переход от романтизма, через пост-романтизм, на встречу импрессионизму и экспрессионизму. Эта «новая музыка» не вписывалась ни в один академический шаблон и еще не была историей, а значит, не интересовала ученых.

Следом свою роль сыграло радио. Когда в начале 20 века музыка появилась в каждом доме, радиостанции, заинтересованные в классических программах, решили ставить только признанные шедевры. Они боялись рисковать, транслируя авангардную модернистскую музыку своего времени, так как хотели завоевать аудиторию.

В конце концов, изобрели фонограф. Компании записывали только классические шедевры, рекомендованные музыковедами – вроде Симфонии № 5 Бетховена или оперных арий Верди. Впервые в истории, вместо того, чтобы вовлекать людей в музыку актуального времени, их призывали соглашаться с выбором музыковедов. И пусть на счет великих композиторов они нередко были правы, классическая музыка превратилась в исторический музей. Вопрос в том, хотите ли вы провести свою жизнь в музее? Или все-таки лучше ступить на неизведанные просторы современности?

Похожая ситуация произошла с балетом, как только он появился в американских университетах – и то, не как самостоятельная дисциплина, а как часть школьной оперной программы. Университеты, которые ставили исторические оперы, нуждались в профессиональных балетных артистах. Что говорить о современном танце, который в 30-40-х годах пришел в американские университеты через физкультуру – как один из видов гимнастики. Никто даже не удосужился признать его искусством.

С чего начать знакомство с современной классической музыкой (или современным саунд-артом)?

Может показаться странным, но сегодня лучше всего знакомиться с классической музыкой на примере произведений начала 20 столетия. К примеру, импрессионизм в музыке часто ассоциируется с живописью, а экспрессионизм – с литературой и психологией. Эти дополнительные элементы помогают понять, что вы слышите, и вдохновляют двигаться в сторону более сложных произведений. Словом, непривычный звуковой ряд гораздо легче усвоить благодаря ассоциациям с изображениями, историями или идеями: например, «Море» Дебюсси или «Дон Кихот» Штрауса.

Сегодня аудитории нужна зацепка, которая позволит ей освоиться на незнакомой территории. Авангардисты 20-х годов, сменившие импрессионистов, нарочно завели музыку дальше, чем консервативная публика могла выдержать. И стоило музыкальным стилям начать развиваться слишком быстро, как маятник качнулся назад – в противовес авангарду появился неоклассицизм.

С конца 50-х возникают новые авангардные течения с электронной музыкой: «случайные» сочинения Джона Кейджа, сверхсложный Штокхаузен и легко усваиваемый минимализм Стива Райха и Филлипа Гласса. Звукозаписывающие компании начинают продвигать приятный и безопасный минимализм, не понимая его простейшего принципа – постепенно развивающейся музыкальной темы. Большинству минимализм казался просто приятными долгими напевками, поэтому направление быстро стало коммерчески успешным (в том числе, оно полюбилось молодым хореографам, которые зачастую также совершенно ничего не знали о творческих процессах течения). Другим композиторам, которые хотели быть услышанными, пришлось вернуться к неоклассицизму или еще дальше (или все-таки ближе?) – к неоромантизму.

Конечно, восприятие во многом зависит от образования. Когда я играю для детей 5-6 лет, неважно, авангард или Моцарта, им все нравится, они двигаются под музыку и принимают ее. Все услышанное для них в новинку. Они не знают и, тем более, не требуют «НАСТОЯЩЕЙ» классической музыки. Они свободны от предрассудков.

Не уверен, можно ли продвинуться от Дебюсси к современной музыке постепенно, шаг за шагом. Между ними – большая пропасть потому что, что аудитория классического мейнстрима долгое время признавала только неоклассицизм и неоромантизм – течения, возродившиеся вместо новых направлений почти необоснованно. Поэтому я не также могу сказать, будет ли однажды балетный зритель существенно пересекаться с аудиторией современного танца. Разумнее всего было бы привлечь новых зрителей, вместо того, чтобы пытаться перевоспитать публику «исторических музеев».

Как привлечь внимание аудитории к современному танцу и музыке?

Когда мы говорим о процессе творчества, мы подразумеваем композитора и хореографа (которые придумывают рецепт),  музыкантов и танцовщиков (которые по нему готовят), и публику (которой подается блюдо). Поэтому, полагаю, Иржи Килиан ставил современную хореографию, не отказываясь от классической музыки, которую ожидали услышать зрители – он давал людям ту самую зацепку, которая убедила бы их принять увиденное. С другой стороны, Бежар пользовался противоположным методом – например, когда работал с вокальным произведением “Stimmung” Карлхайнца Штокхаузена. В центре сцены было нечто вроде костра, вокруг него сидели 6 певцов и в течение 72 минут пели имена бога из всех религий на всех языках, а танцовщики все это время свободно двигались по сцене, не покидая ее. Балетная публика возненавидела произведение. Но, в то же время, Бежар привлек много новых людей вне театра, спровоцировав музыкально-хореографичекий диалог на тему «что такое балет?».

Сейчас у современной музыки аудитория больше, чем у танца, потому что многие хореографы до сих пор не осознают, что публика завершает весь процесс их творчества. Люди должны чувствовать себя участниками происходящего, а не его случайными свидетелями. И чтобы установить эту связь, важно прочнее соединить танец с музыкой: танцовщики должны понимать анатомию и кинезиологию музыки, откликаться на её нюансы и взаимодействовать с ними через движение. Потому что, если хореографы и артисты не улавливают музыкальную активность, аудитория также её не почувствует. А если танец и музыка будут существовать на сцене по отдельности, публике останется только дрейфовать где-то посередине.

Людей всегда привлекает так называемая красота. Но какое место отведено красоте в искусстве? Что в нем наиболее важно? Как по мне – правда: прежде всего, художник должен показывать правду, и если красота следует из нее – отлично! Но, если нет, правда все равно должна быть услышана. Балет давно пользуется устоявшимся словарем, но что если пополнить его новыми словами и способами двигаться? Я считаю, что классический балет вполне может развиваться, как современная форма искусства.

balletristic.com

Как начать разбираться в современной академической музыке — The Village

В новом выпуске рубрики про эффективное самообразование мы вместе с экспертами разбираемся, что включает в себя понятие «современная композиторская музыка», что читать и слушать, чтобы лучше её понимать, а также где в Москве можно вживую услышать произведения Джона Кейджа и Мортона Фельдмана. 

Алексей Сысоев

композитор, музыкант

   

Современная академическая музыка — это то, что стало с классической музыкой после Второй мировой войны. Где-то начиная с 50-х годов началась так называемая вторая волна авангарда, и музыка стала меняться. В 70 % случаев сохранился тот же концертный формат, более-менее сохранился оркестр, но поменялся язык, музыка стала более демократичной. Самое главное — в развитие современной академической музыки вмешались экспериментальные течения. Сейчас музыка лишается штампов, стилистических делений. Можно по-прежнему делить её на области или по географическим признакам, но какие-то острые различия сглаживаются. К тому же из-за отсутствия финансирования композиторы всё чаще уходят из больших концертных залов на более камерные площадки. В Москве произведения композиторов конца XX века можно услышать скорее в МАММ или пространстве «Наука и искусство», чем в консерватории.

Я бы посоветовал начать с классиков авангарда — Пьера Булеза, Карлхайнца Штокхаузена, Дьёрдя Лигети, Яниса Ксенакиса, Джона Кейджа, Мортона Фельдмана, Хельмута Лахенмана. Но это только малая часть хороших композиторов, их значительно больше. Для начала можно взять и любую оркестровую музыку Яниса Ксенакиса, цикл Жерара Гризе «Акустические пространства» или любое сочинение Мортона Фельдмана — и просто слушать, понимая, что вам больше нравится.

В России тоже очень много хороших композиторов и исполнителей. Помимо выступлений отдельных музыкантов, стоит ходить на концерты ансамбля «Студия новой музыки» и Московского ансамбля современной музыки, петербургского eNsemble и NoName из Нижнего Новгорода.

Интерес среди публики сейчас огромный. Что самое приятное, на концерты приходят не только музыканты или студенты консерватории, но и люди с совершенно другим бэкграундом, которых просто заинтересовала именно такая музыка. Не думаю, что для её понимания нужен какой-то особенный слуховой опыт. Иногда даже интереснее послушать какие-то вещи без него. Мне как композитору намного сложнее воспринимать давно слышимую мною музыку. Главное здесь — чистота восприятия. Современная композиторская музыка способна удивлять не в меньшей степени, чем что-либо другое.

Екатерина Бирюкова

музыкальный критик, обозреватель Colta.ru

   

Чем дальше мы отступаем в XXI век, тем экзотичнее становится музыка. Для большинства современная музыка — это всё ещё произведения Шёнберга, хотя им уже больше 100 лет. Мне кажется, нет какого-то универсального пути к академической музыке, это зависит от опыта конкретного человека. Даже если вы ни разу не были в консерватории и постоянно слушаете какую-нибудь психоделику, путь в современную композиторскую музыку для вас может быть проще, чем для людей, воспитанных на Бетховене.

В XIX веке и раньше звучала музыка, которую написали недавно. Но сейчас 90 % музыки, звучащей в Большом зале консерватории, написано уже умершими композиторами. Базовый репертуар в концертных залах всё ещё не состоит из произведений ныне живущих авторов. Это сложность XX–XXI веков.

Важно приходить на концерты исполнителей, которым ты доверяешь: тогда они становятся чем-то вроде посредников между вами и музыкой. Никто не отменял многолетнюю работу «Студии новой музыки» в Рахманиновском зале. Начинали они с совершенно пустыми стульями, а сейчас туда уже не попасть. Много всего в этой сфере делает Дмитрий Курляндский, музыкальный руководитель Электротеатра. Стоит следить за ним. В Культурном центре ЗИЛ время от времени проходят лекции и концерты.

Если человеку интересно и дальше расширять кругозор, нужно искать свой путь. Конечно, есть хронология: додекафония, сериализм, алеаторика, структурализм. Ключевым моментом для музыки XX века было изобретение додекафонии, каждый композитор должен был сформировать своё отношение к ней. XX век включает в себя много взаимоисключающих вещей: в тот момент, когда Шёнберг изобретал 12-тоновую технику, Рахманинов писал вполне себе тональную музыку. Творчество Кейджа, Гласса, Штокхаузена — это всё разные музыки. И нет слушателя, который будет это всё одинаково воспринимать.

В начале 60-х Кубрик снял фильм «Космическая одиссея», где использовал много партитур музыки XX века. В частности, венгерского композитора Дьёрдя Лигети. Возможно, визуально вместе с фильмом её будет легче воспринимать. 

Сергей Невский

композитор

   

Точкой отсчёта в возникновении современной академической музыки можно считать 1912–1913 годы, время возникновения двух сочинений, изменивших музыкальную реальность, — «Лунного Пьеро» Шёнберга и «Весны священной» Стравинского.

По сути, нет чёткой разницы между классической музыкой и современной академической, есть непрерывная эволюция языка — от первой записанной музыки до наших дней. Сегодня я бы прежде всего выделил музыку сочинённую (написанную для инструментов) и импровизационную. В России следует обратить внимание именно на эти два течения. 

Что касается имён, то после Второй мировой войны следует выделять творчество Кейджа, Штокхаузена, Фельдмана, Ноно, Лигети, Гризе, Лазенмана, Райха. Из более молодых — Фуррера, Шарино и трёх композиторов с фамилией Ланг: Клаус, Бернхард и Дэвид (они не родственники). В сегодняшнем российском контексте я бы назвал фамилии Тарнопольского, Мартынова (из старшего поколения), а также Курляндского, Раннева, Горлинского, Хубеева, Рыковой и Широкова (если говорить о более молодых авторах). 

Современная музыка в России пережила взлёт массового интереса и короткий период достаточно серьёзной государственной поддержки. После 2012 года такая поддержка прекратилась и музыка опять расползлась по локальным нишам низкобюджетных проектов. Но интерес к ней сохраняется, и публика всё время прибывает. Позитивная вещь: в России современная музыка открыта молодым, она — часть их стиля и мировосприятия. И слушатели у современной музыки в России моложе, чем в Западной Европе и США. В этом году в Москве на фестивале «Другое пространство» в филармонии впервые прозвучат две сверхважные вещи послевоенной эпохи: «Группы» Карлхайнца Штокхаузена для трёх оркестров и «Симфония» Лучано Берио. Если есть возможность, послушайте их обязательно. 

Любое произведение искусства действует на нескольких уровнях. Когда мы слушаем незнакомую музыку, мы переживаем её непривычную звуковую природу и, при желании, стараемся понять, как она устроена. Но второе необязательно, только переживания тоже бывает совершенно достаточно. Мы же имеем дело не с шифром — музыка открыта всем, надо просто слушать.

 

 Что читать 

Алекс Росс

«Дальше — шум. Слушая ХХ век» 

Музыкальный обозреватель журнала The New Yorker выпустил эту книгу в 2007 м году, и с тех пор она находится в топе произведений о современной музыке. По факту произведениеРосса — это подробное исследование истории академической музыки и несколько десятков очерков о композиторах и главных произведениях XX века: от Шостаковича и Шёнберга до Гершвина, Эллингтона и Кейджа.

   

Ханс Ульрих Обрист

«Краткая история новой музыки»

Сборник бесед куратора Ханса Ульриха Обриста с выдающимися музыкантами и композиторами второй половины XX века, свидетелями всех главных изменений в музыке этого столетия. Среди героев Обриста — Брайан Ино, Карлхайнц Штокхаузен, Пьер Булез, Йоко Оно и многие другие.

   

Дмитрий Бавильский

«До востребования. Беседы с современными композиторами»

Ещё один сборник интервью — на этот раз с главными фигурами сегодняшнего мира академической музыки: Антоном Батаговым, Сергеем Невским, Дмитрием Курляндским, Ольгой Раевой и другими. Книга поделена на части: в одной из них разговор посвящён великим композиторам прошлого — Баху, Моцарту, Малеру, Вагнеру, а в другой современные герои рассказывают о себе и своём творчестве. 

   

Ольга Манулкина

«От Айвза до Адамса: американская музыка XX века»

Огромное исследование историка музыки и музыкального критика Ольги Манулкиной о развитии академической музыки США в XX веке. Помимо авторских заметок о главных идеях и персонажах, в книге есть несколько впервые переведённых трактатов по музыкальной эстетике, интервью и эссе. 

   

Ричард Костелянец

«Разговоры с Кейджем»

Фрагменты сотен интервью с композитором, поэтом, музыковедом и художником Джоном Кейджем, которые он давал различным изданиям и журналистам на протяжении почти 50 лет. В них Кейдж рассказывает о своей жизни, взглядах на разные аспекты культуры и искусства, о композиторах, оказавших на него влияние, вкусах в музыке и о чём только не. При этом все отрывки оформлены так складно, что больше напоминают внушительный монолог Кейджа обо всём на свете.

 Что читать и смотреть в интернете

Как слушать современную академическую музыку

Расшифровка лекции композитора Сергея Невского о том, как слушать современную академическую музыку. В ней он разбирает, существуют ли сегодня такие категории, как «мелодия» и «мотив», почему важно взаимодействие музыки и окружающей среды. Каждый абзац пояснений сопровождается отрывком из определённого музыкального произведения — получается и правда настоящая лекция. Похожая лекция есть и на Arzamas: там свою же музыку по кирпичикам разбирают три российских композитора.  

   

Гид по новой композиторской музыке на The Guardian

В течение 52 недель музыкальный обозреватель The Guardian Том Сёрвис рассказывал о главных композиторах XX и XXI века: Альфреде Шнитке, Терри Райли, Арво Пярте, Мередит Монк, Пьере Булезе, Хельмуте Лахенмане и многих других. Получился более чем исчерпывающий гид по современной композиторской музыке.

   

Сергей Невский. «Беспокойный наблюдатель. К социологии и эстетике новой музыки в России в 1989–2014 годах»

Русский вариант проекта композитора Сергея Невского об истории современной академической музыки последних 25 лет. Текст разделён на пять частей: «Перестройка: молодое вино в ветхих мехах», «Девяностые: импорт и релакс», «2000–2005 годы: цифровая революция и объективная музыка», «2005–2012 годы: новые платформы и бум музыкальных театров» и «2012–2014 годы: маленькие сети и возвращение в локальное». Каждую часть иллюстрируют музыкальные видео.

   

Алексей Мунипов — о том, чему нас научил Джон Кейдж

Редакционный директор Arzamas Алексей Мунипов объясняет самые важные идеи и открытия Джона Кейджа. Для тех, кто не может осилить 400 страниц «Разговоров с Кейджем», но хочет понять, почему Кейдж стал одной из ведущих фигур послевоенного авангарда. 

   

100 музыкальных сочинений, с которых нужно начинать слушать классику

Музыкальный критик Илья Овчинников составил список из 100 произведений, после которых можно без памяти полюбить классику. В блоке «Классика XX века» можно найти 17 сочинений музыкантов — символов прошлого столетия: от Игоря Стравинского и Арнольда Шёнберга до Стива Райха и Пьера Булеза.

 

 

 Где слушать в Москве

Центр современной музыки Московской консерватории

Ансамбль солистов «Студия новой музыки» основан в 1993 году в Московской консерватории. С тех пор он регулярно знакомит российскую аудиторию с классикой авангарда, западным модернизмом и сочинениями, написанными в последние годы.

   

Музейный цикл концертов, представляющий творчество композиторов XX–XXI веков. Произведения исполняет Московский ансамбль современной музыки. За анонсами удобнее всего следить на страничке МАММ в Facebook.

   

Выставочный зал «Граунд»

Регулярные концерты современных российских композиторов проходят в выставочном зале «Граунд Ходынка». Например, 4 марта здесь представят две новые пьесы московского композитора Кирилла Широкова. 

Обложка: shutterstock.com / Alfaguarilla

www.the-village.ru

Как начать разбираться в классической музыке

Семь методов, которые позволят любому желающему погрузиться в мир академической музыки

До тех пор, пока не появились звукозаписи и классическая музыка не превратилась в индустрию в том виде, в котором мы её знаем сейчас, исполнители играли музыку интересных им авторов, не задумываясь над тем, классическая она или нет. Для понимания классики не нужно каким-то особенным образом менять своё восприятие.

Главное — знакомиться с ней постепенно и начать ходить на концерты. Любое классическое произведение, вероятно, потребует от вас большего внимания, нежели обычная современная песня. Не переживайте, если с первого раза оно покажется вам сложным и непонятным. После пяти-семи прослушиваний вы начнёте чувствовать его внутреннюю логику, узнавать определённые моменты и выхватывать темы, сменяющие одна другую. Продолжайте слушать — дома, по дороге на работу и в лифте — и постепенно произведение, которое на первый взгляд казалось вам «неподъёмным», станет вам близким и понятным. Для тех, кто хотел начать слушать классику, но не знал с чего начать, The Village выбрал несколько эффективных методик.  

Метод № 1: последовательный 

Наиболее традиционный способ познакомиться с академической музыкой — слушать знаковые произведения известных композиторов в хронологическом порядке, переходя от эпохи к эпохе, а затем выбрать оказавшийся наиболее близким по духу период и посмотреть на него более внимательно.

Так, например, считает кинокритик Антон Долин: «Начните с Баха и Моцарта, это базис и основа. Сначала фортепианный Бах в исполнении Гленна Гульда, затем „Хорошо темперированный клавир“, „Вариации“ Гольдберга и Бранденбургские концерты в исполнении Николауса Арнонкура. Моцарта можно начать — также в его исполнении — с последних симфоний (с 34-й по 41-ю). Затем прослушать „Реквием“, „Волшебную флейту“ и Дон Жуана. Это прекрасный старт».

С чего начать слушать Баха

«Хорошо темперированный клавир» — вероятно, самое совершенное произведение в истории музыки: два цикла по 24 прелюдии и фуги во всех существующих тональностях. Первую Прелюдию до мажор может подобрать на пианино почти любой, однако затем цикл постепенно становится всё сложнее. И интереснее.

Бранденбургские концерты — одновременно масштабный и компактный цикл из шести глав от 10 до 20 минут длиной. Шесть абсолютно разных концертов, объединённых чисто баховской радостью жизни.

Сонаты и партиты для скрипки соло докажут вам, что слушать одинокую скрипку в течение долгого времени совершенно не скучно. Бах стремится к полному охвату её возможностей. Жемчужина цикла — знаменитая Чакона, пронзительнее которой нет на свете.

По легенде, Вариации Гольдберга должны были служить успокоительным и снотворным средством для российского дипломата, которого мучила бессоница. Пианист Иоганн Гольдберг должен был играть их в его спальне перед сном. Почему бы не попробовать использовать эту музыку по её назначению и сейчас?

С чего начать слушать Моцарта

«Дон Жуана» называют оперой опер, главной для всех времён и народов. Ни в одной другой великой опере до такой степени не выдержан баланс между трагическим и комическим, высоким и низким, волей к жизни и неизбежностью смерти.

Всем известное «Турецкое рондо» на самом деле не самостоятельная пьеса, а финал «Сонаты для фортепьяно № 11», другие части которой не менее восхитительны. Как, собственно, и другие фортепьянные сонаты Моцарта, не говоря уж о его же Фантазиях.

Начало Симфонии № 40 может вызвать у вас непроизвольное раздражение, настолько оно хорошо известно. Постарайтесь настроить свой слух так, будто слышите его впервые, тогда в качестве вознаграждения вы получите не менее прекрасные, но не столь избитые части произведения.

Соната для скрипки и фортепиано № 21 — самая грустная музыка на свете.

С чего начать слушать Бетховена

Дальше вам стоит перейти к музыке Людвига ван Бетховена, его Симфониям № 5 и № 7, первой — чтобы узнать, что же следует за всем известным «та-да-да-дам», второй — чтобы открыть для себя «непривычного» Бетховена — лёгкого, светлого и даже весёлого. Гениальная вторая часть Седьмой знакома даже далёким от классики слушателям по обработке группы Deep Purple.

Концерт для скрипки с оркестром — один из величайших скрипичных оркестров. Если заскучаете в середине, будете вознаграждены в финале: он подарит вам такую красивую и грустную мелодию, что будет сложно удержаться от слёз.

Соната для фортепиано №14 — символ нераздлённой любви. Среди 32 фортепианных сонат Бетховена «Лунная», возможно, не лучшая, но уж точно самая знаменитая; её цитировали многие от Шостаковича до The Beatles.

С чего начать слушать Мендельсона

Следующим открытием для вас может стать творчество романтика Феликса Мендельсона. Его «Свадебный марш» стал популярным после свадьбы принцессы Виктории и принца Фридриха III и, не являясь лучшим его произведением, к сожалению, затмил все остальные. Понять, что его музыка — это нечто более изящное и лиричное, можно благодаря «Песням без слов», которые он писал на протяжении всей своей жизни. Их порой прописывают как один из способов лечения от депрессии.

Чтобы достроить образ, стоит услышать знаменитую Симфонию № 4, созданную им на волне восхищения Италией.

«Скрипичный концерт» Мендельсона не менее важен, нежели бетховенский, но куда более доходчив.

С чего начать слушать Чайковского

Если хотите понять, что такое симфония, послушайте Пятую Чайковского — это один из лучших и цельных образцов жанра. Она не так популярна, как его балеты, хотя её мелодический потенциал ничуть не ниже.

Для многих Чайковский — это «Щелкунчик», «Спящая красавица» и Первый фортепианный концерт. Ничего общего с этим не имеет трио «Памяти великого художника» — трагичное, глубоко интимное высказывание, лишённое какой бы то ни было тяжеловесности и помпезности. Такого Чайковского вы ещё не слышали.

С чего начать слушать Брамса

Первую симфонию Брамса называли «Десятой симфонией Бетховена», имея в виду преемственность традиции. Но если девять симфоний Бетховена неравноценны, то из четырёх симфоний Брамса каждая — шедевр. Помпезное начало «Третьей» — лишь яркая обложка для глубого лирического продолжения, достигающего апогея в незабываемом Аллегретто.

Камерный ансамбль — один из тончаших видов музицирования: скрипичная соната, фортепианное трио или струнный квартет часто могут выразить больше, чем балет или симфония. Синоним камерной музыки — имя Брамса, у которого каждое камерное сочинение — шедевр. В том числе Соната для скрипки и фортепиано № 3, незабываемое начало которой рождается из фразы, как бы прерванной на полуслове.

Если симфонический оркестр играет на бис, как минимум в половине случаев дирижёр выбирает Первый венгерский танец, в крайнем случае — Пятый. «Венгерские танцы» — это два десятка миниатюр для двух фортепиано, позже переложенных для оркестра, создавались на основе подлинных венгерских мелодий; результат — 21 образцовый бис.

Метод № 2: слушать близких по духу

Музыкальный критик Илья Овчинников считает, что традиция начинать знакомство с классикой через музыку Баха и Моцарта не совсем верна. Ведь есть несколько классических композиторов, музыка которых более созвучна внутренней жизни современного человека. Среди них — Малер, Шостакович и Стравинский. Рубеж веков породил гениев, которые разговаривают с нами на одном языке. Если музыка XIX века, которая составляет основной массив репертуара современных исполнителей, могла уже заранее вам надоесть, то эти произведения наверняка покажутся вам свежими, интересными и близкими по духу.

Слушаем Малера

Хотя большая часть жизни Густава Малера пришлась на XIX век, он стал первым композитором, который, разрушив романтические каноны, смело прыгнул в XX век, очень точно предсказав разорванное сознание людей, которые станут свидетелями мировых катастроф. В его жизни был переломный год, когда он написал произведение необыкновенного трагического накала — Симфонию № 6. Несмотря на свою продолжительность (80 минут), она слушается на одном дыхании, напоминая захватывающий роман с постоянными поворотами сюжета. У Малера почти вся музыка берёт за душу. Её можно не любить, но остаться к ней равнодушным невозможно. С 1960-х благодаря усилиям Леонарда Бернстайна начался малеровский бум, так что услышать Малера вживую не представляет большой сложности.

Слушаем Стравинского

Игоря Стравинского не зря называют композитором-хамелеоном. В течение жизни он несколько раз кардинально менял свой стиль, так что, если услышать его произведения, созданные в начале, середине и конце творческого пути, совершенно невозможно поверить, что их написал один и тот же композитор. Стравинский всю жизнь переживал, что, несмотря на то, что он продолжает творить, самыми известными его произведениями остаются ранние балеты — «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная». Премьера балета «Весна священная», поставленного Нижинским, считается самым громким музыкальным скандалом XX столетия. «Весна» — во многом провидческое произведение, рассказ о полулюдях-полузверях накануне эпохи, когда людям предстояло потерять человеческий облик. Для Стравинского это было первое по-настоящему оригинальное произведение, созданное без оглядки на других композиторов, настоящий прорыв. С него вам и стоит начать.

Слушаем Шостаковича

В отличие от Стравинского, творчество Шостаковича представляет собой единое целое, как лирика Пушкина или романы Достоевского. У некоторых музыка Шостаковича может ассоциироваться с чем-то грубоватым и «советским». Это ошибочное мнение складывается из-за того, что самым известным (но не самым лучшим) его произведением является «Ленинградская симфония». У Шостаковича есть произведения более яркие, которые могут произвести сильное впечатление на начинающих. Например, Симфония № 5, которую он написал в 1937 году, пытаясь спастись от лавины обрушившейся на него партийной критики. Властям понравилась классическая, ясная структура симфонии и торжествующая пафосная концовка. При этом по содержанию это совершенно гениальное, многослойное произведение, идеальный вариант для знакомства с музыкой Шостаковича. После можно перейти к Симфониям № 6 и № 9. Они обе довольно короткие, пёстрые, настроенческие и не дают заскучать.

Метод № 3: теоретический

Если хочется подойти к изучению классики основательно, начиная с азов, можно сначала прослушать несколько теоретических курсов и прочитать пару специализированных книг. Чаще всего новичкам советуют базовый курс Роберта Гринберга How to Listen to and Understand Great Music и его же курс Great Masters, в котором каждая лекция посвящена одному из известных композиторов. Если не понравится манера изложения Гринберга, можно прослушать вводный курс Listening to Music профессора Крейга Райта, который весело и доходчиво объясняет структуру классических произведений. Замечательную двадцатиминутную лекцию о том, как полюбить классику, прочитал Бенджамин Зандер на TED.

Понятных и интересных книг о классической музыке на русском языке не так и много. Можно прочитать «Неполную и окончательную историю классической музыки» Стивена Фрая, «Кратчайшую историю музыки» Дарена Хенли и совсем простенькую «Когда можно аплодировать» скрипача Дэниэла Хоупа. В серии «ЖЗЛ» можно найти биографии многих композиторов, например, несколько лет назад вышла очень удачная книга о Чайковском. Возможно, для начала читать жизнеописание Листа или Шопена будет интереснее, чем читать о Бахе, жизнь которого была не столь богата яркими событиями и любовными драмами.

Метод № 4: эмоциональный

Академическую музыку окружает множество предрассудков, и один из главных заключается в том, что все классические произведения якобы похожи одно на другое. Это не так. Дуглас Адамс однажды написал: «Моцарт рассказывает нам о том, как это — быть человеком, Бетховен — как быть Бетховеном, а Бах размышляет о том, как чувствует себя вселенная». Один из способов познакомиться с классикой как раз состоит в том, чтобы оценить всё её разнообразие, выделив индивидуальный характер музыки каждого композитора. Для этого музыкальный обозреватель Бенджамин Карлсон советует попробовать соотнести их музыку с вашими собственными эмоциями и настроениями. Слишком часто классику начинают слушать «головой» и из-за этого упускают её суть.

Например, для романтичного состояния подойдут волшебные композиции импрессиониста Дебюсси. Для сосредоточенной работы — систематичный и сдержанный Бах и другие барочные композиторы. В моменты душевной смуты — Шопен и Шуберт. Когда переполняет гнев, почему бы не послушать Бетховена или Вагнера? Весело и свежо на душе — Моцарт. Взвинченное, нервное состояние — Лист. Хочется эпики и трагедии — Брамс. Иронии и излома — Прокофьев и Стравинский. Безусловно, это деление грубое и сугубо субъективное. Однако сам принцип — посмотреть на классику через призму эмоций — возможно, поможет вам сделать первый шаг в сторону её понимания.

Метод № 5: уточняющий

Важно понять, что вы и так окружены классикой, осталось только её распознать. Вы уже знакомы с очень многими классическими произведениями, просто не знаете, как они называются. Есть мелодии, которые мы постоянно слышим в кино, рекламе, телевизионных заставках и звонках на чужих телефонах. Например, вы много раз слышали устрашающую кантату Carmina Burana Карла Орфа, завораживающий «Дуэт цветов» из оперы «Лакме» Лео Делиба, арию Nessun Dorma из оперы «Турандот» Пуччини, сюиту «Утро» из «Пер Гюнта» Грига. Метод заключается в том, что, когда вы в очередной раз услышите знакомую мелодию в фильме, вы просто должны найти в интернете её название и затем прослушать полностью. 

Метод № 6: ходить на концерты 

Слушать классику в записи — это хорошо, но большего эффекта вы достигнете, если начнёте слушать её вживую. В Рахманиновском зале Московской консерватории чуть ли ни ежедневно проходят недорогие, а порой и бесплатные концерты. Кого из современных исполнителей, часто выступающих в Москве, стоит услышать обязательно? Пианиста Алексея Любимова, Геннадия Рождественского, Михаила Плетнёва, виолончелистку Наталью Гутман, альтиста Максима Рысанова. Среди дирижёров следует обратить внимание на Владимира Юровского, возглавляющего Госоркестр, и Александра Рудина, руководящего одним из лучших камерных оркестров России Musica Viva.

Экспресс-метод

Однажды музыкальный критик The Guardian Том Сервис по просьбе радиодиджея BBC составил недельный гид-введение в классическую музыку. Чтобы музыка подействовала, Сервис попросил слушателей «сесть на классическую диету», то есть в течение пяти дней не слушать никаких других композиций, кроме предложенных им. Ниже представлен распорядок, составленный Сервисом. Три сочинения, рассчитанные на день, всегда представляют три различные музыкальные эпохи.

Первый день:

Джоаккини Россини — «Вильгельм Тель»И. С. Бах — «Вариации Гольдберга» Джон Адамс — «Краткая поездка в быстрой машине»

Второй день:

Франц Шуберт — Струнный квинтет в си, Адажио Бедржих Сметана — «Влтава» Стив Райх — «Музыка для 18 исполнителей»

Третий день:

Джузеппе Верди — Dies Irae из «Реквиема» Игорь Стравинский — «Жар-Птица» Карлхайнц Штокхаузен — Gesang der Junglinge

Четвёртый день:

Морис Равель — «Болеро» Густав Малер — Симфония № 2 Дьёрде Лигети — «Реквием»

Пятый день:

Эдуард Элгар — «Энигма-вариации» Людвиг ван Бетховен — Симфония № 9 Кшиштоф Пендерецкий — «Плач по жертвам Хиросимы»

Источник

Понравился наш сайт? Присоединяйтесь или подпишитесь (на почту будут приходить уведомления о новых темах) на наш канал в МирТесен!

xvastunishka.us

Как, зачем и когда нужно знакомить детей с классической музыкой

Почему так важно научить ребёнка слушать классическую музыку, какой именно должна быть правильная классика и как не ошибиться с выбором — об этом рассказывает мама, журналист и пресс-атташе Пермского театра оперы и балета им. П. И. Чайковского Ирина Корнеевская. Чтобы вам было ещё легче, вы найдёте здесь список из 100 классических произведений, которые можно включать ребёнку с младенчества.

Рассылка «Мела»

Мы отправляем нашу интересную и очень полезную рассылку два раза в неделю: во вторник и пятницу

Информационная среда и информационная гигиена

Мы завалены информацией: без преувеличения, чтобы выжить, современному человеку нужно уметь ориентироваться в лавине разнообразных данных, выбирать нужное и, самое главное, отсеивать мусор, не тратя на него внимание и время. И если ты сам за 25-35 лет как-то этому научился, сформировал предпочтения (свой «новостной рацион»), то становясь родителем, внезапно понимаешь, что теперь тебе нужно проделать всю эту работу заново. То есть совсем заново, буквально с нуля. Оградить нового в этом мире человека от лишнего и окружить ценным с самого рождения и до тех пор, пока он не скажет тебе «я сам лучше знаю».

Многочисленные методики раннего развития призывают молодых родителей как можно раньше и интенсивнее начать развивать все органы чувств вашего малыша, иначе «будет поздно». От таких агрессивных призывов немедленно развить ребёнка родителю следует избавляться как от информационного мусора, но не стоит кидаться и в другую крайность.

На ближайшие полтора десятка лет вы для своего ребёнка — главный пример того, как следует жить, что ценить, чего избегать

Бросать его в пучину информации, не фильтруя этот поток, — безответственно. Задача родителя — создать благотворную среду для развития. Предложить материал и наблюдать, принимает его ребёнок или нет.

Разнообразие звуков окружающего мира

Одно из чувств ребёнка — слух. Новым для него является каждый звук окружающего мира, до восприятия музыки ещё далеко. Первые месяцы после рождения очень непросты для малыша. Известно, что новорождённый воспринимает мир как суп. Он ощущает себя и все окружающее как единое целое, он пока не знает, что такое «я»:

«Младенец ещё не делает различий между тем, что его органы чувств сообщают ему об окружении, а что — о его теле. Для младенца внешнее окружение и его тело — одно и то же. То, что происходит снаружи, происходит и в его теле. И что чувствует его тело, чувствует всё и вся. Весь мир скучает, весь мир голоден, миру тепло, сыро или мир устал. Всё есть одно единственное обонятельное-цветовое-звуковое впечатление».

Из книги «Капризничает? Значит, развивается!» Хетти Вандерейт, Франс Плой

Лично я скептически отношусь к совету включать классическую музыку младенцу первого полугодия жизни. На мой взгляд, от этого попросту мало проку. Более того, примерно до полугода у грудных детей нет избирательного внимания, разнообразные звуки младенца шокируют, так как сливаются. Из-за особенностей слуха мир грудных детей очень легко превращается в сумасшедшую какофонию.

Если вам всё же хочется включать малышу музыку с рождения, сделайте выбор в пользу колыбельных (и похожих на них произведений) в оркестровой обработке. Ну и петь колыбельные самому. Тут малышу и родной любимый голос, и музыка.

В младенчестве ребёнку нужно показать природу звукоизвлечения. Погремушка — шумит, колокольчик — звенит. Дудочка, ксилофон, барабан — базовый набор музыканта в пелёнках.

Какой должна быть первая классика

Итак, в погремушки гремим, в барабан стучим, под колыбельные засыпаем. Пришло время открыть для малыша сундук с сокровищами. В вашем распоряжении несколько веков созданной человечеством музыки. Есть из чего выбирать!

10 пластинок, которые нужно послушать с детьми

Но имеет ли значение жанр и эпоха прослушиваемой музыки? Рок или классика? Этно или электронная музыка? Музыка, которую в народе зовут «классикой», обладает более сложной музыкальной структурой. Исследователи считают, что именно эта «комплексность» академической музыки и влияет на развитие участков мозга, отвечающих за решение пространственных задач. Это, безусловно, не значит, что другая музыка бесполезна. Никогда не стоит забывать, что многовековое музыкальное наследие человечества не ограничивается европейской академической музыкой.

Что касается репертуара классических произведений для ребёнка, плюс в том, что предыдущие поколения произвели качественный отбор за нас

То есть, плохие образцы попросту не сохранились бы в памяти человечества на сотни (или даже десятки) лет. Осталось отобрать то, что не испугает малыша резкостью, громкостью, крайними регистрами. При отборе музыки для ребёнка я бы также рекомендовала избегать всяческих «адаптированных» версий. Например, когда вместо струнного квартета звучит синтезаторный ксилофон. Почему-то некоторым кажется, что ребёнку такая дешёвая подделка понравится больше богатых тёплых тембров живых инструментов или будет более «понятна».

Не бойтесь предлагать ребёнку оригиналы, думая, что он их не поймёт. Искусство не нуждается в адаптациях

В вопросе выбора композиторов и произведений для прослушивания малышами, первая мысль, которая приходит в голову, — больше всего для этих целей подойдут венские классики и романтики. Их музыка многим кажется более доступной для понимания по сравнению, например, с ХХ веком, в котором и не каждый взрослый разберётся. В 1993 году даже возникла теория о «Моцарт-эффекте»: якобы прослушивание его великой музыки с пелёнок помогает вырастить гения. Позже, в 1999-м, эту теорию опровергли.

В какой атмосфере выросли Моцарт, Бетховен и Паганини

На мой взгляд, доступные произведения можно найти практически во всех эпохах. И скажу даже больше, способ знакомства с музыкой по хронологии, который будет удобен многим взрослым, в случае с детьми совершенно необязателен. Ребёнок познаёт ту реальность, которая его окружает, — такой, какая она есть. Например, по вашему мнению, ребёнку необходимо выучить сначала основные цвета: красный, жёлтый и синий, а уже потом перейти к второстепенным — оранжевому, зелёному и так далее. Вполне возможно, что ребёнок обратит своё внимание сначала на фиолетовый, потом на чёрный, а красный он поначалу и вовсе не запомнит. И эта «непоследовательность» не помешает ему со временем выучить все цвета и не скажется негативно на его понимании цветовой палитры.

Итак, если мы считаем, что отбирать произведения для фонотеки малыша нужно не по хронологии, то каковы главные критерии?

1. Жанр и состав исполнителей

Напомню о несовершенстве органов чувств младенца — ушей в частности. Произведения, которые исполняет большой симфонический оркестр, представляют для малыша страшный шум. Ему не по силам что-то расслышать в этом. А медные духовые инструменты, ударные и вовсе заставят малыша вздрагивать. Поначалу выбирайте камерный состав оркестра; ансамбли — квартеты, дуэты; произведения для фортепиано или других инструментов соло под аккомпанемент фортепиано.

Отложить на будущее стоит и крупные музыкальные формы, и серьёзные жанры. Симфонии, оратории, мессы и прочие оперы малыш вряд ли оценит. Стоит сделать выбор в пользу не слишком длинных пьес или подходящих по определённым нами параметрам отрывков крупных произведений.

2. Эмоциональная окраска произведения

Этот пункт тесно связан с предыдущим. Потому что серьёзная мысль и мощный эмоциональный посыл заложены в большей мере в крупных произведениях. Ребёнок вряд ли сумеет сопереживать такой заряженной музыке — у него нет необходимого жизненного опыта и попросту его мозг ещё не созрел для восприятия такой сложной информации. Это слишком сильное воздействие на ребёнка, которого следует избегать.

3. Регистры, динамика

Этот пункт связан с предыдущим. Потому что серьёзная мысль и мощный эмоциональный посыл, заложенные в крупных произведениях, как правило, достигаются использованием более сильных средств: звучанием в разных регистрах и использованием выразительной динамики. Крайние регистры (очень низкие и очень высокие звуки) и контрастная динамика (фортиссимо, особенно внезапное, после пиано) — это слишком резкое звучание, оно сложно для восприятия маленькими ушами и попросту может испугать ребёнка.

4. Реакция ребёнка на музыку

Малейшее неудовольствие ребёнка в ответ на музыку должно стать для вас сигналом прекратить прослушивание этого произведения. Не нужно пытаться «дослушать», даже если осталось совсем немного. Мы резко против насилия по отношению к маленькому человеку даже в таком проявлении.

Музыка в вашей семье: влияние родителей на формирование музыкального вкуса ребёнка

Не нужно убеждать ребёнка в том, как полезно и приятно слушать классику, нужно самому получать от этого удовольствие. Всем опытным родителям давно известно, что ребёнок воспринимает не столько наши слова, сколько наш пример. Если родитель говорит одно, а делает другое, то ребёнок сделает вывод из поступков, а не слов. Если мама методично по расписанию включает ребёнку Бетховена, а потом весело делает уборку под хиты группы «Блестящие», то вряд ли ребёнок сделает вывод, что классика — это хорошо, а попса — это мусор. В первые годы жизни вы как никогда способны повлиять на формирование вкусов малыша.

Если вы ещё ожидаете ребёнка, это значит, что у вас впереди несколько прекрасных месяцев, когда вы можете посвятить себе максимум времени. Потом будет долгий период, когда вы не принадлежите себе, вы просто аппарат жизнеобеспечения для вашего беспомощного поначалу малыша.

Пока ребёнок внутри вас, для него чрезвычайно важно ваше эмоциональное состояние, поэтому более глубокое знакомство с классикой для вас — идеальная находка

Итак, как начать понимать и любить академическую музыку? К счастью, современность позволяет нам получить доступ ко всей необходимой информации, чтобы прокачать скилл. Главное — постепенно знакомиться с новыми произведениями и по возможности ходить на концерты. Можно выбрать для себя подходящий метод: знакомиться со знаковыми произведениями наиболее известных композиторов по хронологии или выбрать более близких нам по времени и духу авторов начала ХХ века. Некоторые советуют целиком отдаться во власть эмоций и «слушать сердцем», соотнося музыку с вашими эмоциями и настроениями. Любителям основательного подхода может понравиться изучение музыки с углублением в теорию. Завсегдатаи светских мероприятий могут ходить на симфонические концерты, оперы и балеты.

Что бы вы ни выбрали, помните, что любое академическое произведение требует большего внимания, чем песня современных исполнителей

Скорее всего, во время первого прослушивания, произведение покажется вам сложным и непонятным. Однако после нескольких повторов вы начнёте понимать его логику, слышать отдельные темы. Продолжайте слушать — и то, что, казалось, невозможно охватить, станет близким и понятным.

Фонотека вашего ребёнка

Составление списков вроде «100 книг, которые каждый должен прочитать к 30 годам» и «100 лучших картин всех времён и народов» — всегда дело неблагодарное. Такой список выглядит, с одной стороны, глупо и банально, потому что часть упомянутого набила всем оскомину, и с другой стороны — не вызывает отклика, потому что ещё половина названий вам ни о чём не говорит. Такие «универсальные» списки — это не про вас и ни про кого другого. Это солянка, получившаяся случайным образом.

Поэтому я выйду из этой ситуации следующим образом: в нашу сотню произведений для малыша я постараюсь включить наибольшее количество разных композиторов, чтобы у вас была возможность оценить разнообразие музыки, доступной слушателям, начинающих с самого что ни на есть нуля — маленьких детей. Вы сможете обратить внимание на композиторов, музыка которых привлечёт вас и позже самостоятельно познакомиться с другими их сочинениями. Этакая семейная методика погружения в классику. Мой выбор из 100 произведений — по ссылке ниже.

100 произведений академической музыки для детей

Кажется, что эта задача — разобраться в академической музыке с нуля — непосильна. Но если вы стремитесь к тому, чтобы классика играла важную роль в жизни вашего ребёнка, вы сами должны верить в музыку. Не заставляйте — ребёнка или себя — слушать классическую музыку. Это не работа, а целый мир, который откроется вам и станет источником прекрасных сильных эмоций.

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ:

6 заблуждений родителей о музыкальном образовании

Главные отличия французской школы от нашей

5 слов, которые обманом вымогают у вас запятую

mel.fm

Как начать разбираться в классической музыке

 Дальше вам стоит перейти к музыке Людвига ван Бетховена, его Симфониям № 5 и № 7, первой — чтобы узнать, что же следует за всем известным «та-да-да-дам», второй — чтобы открыть для себя «непривычного» Бетховена — лёгкого, светлого и даже весёлого. Гениальная вторая часть Седьмой знакома даже далёким от классики слушателям по обработке группы Deep Purple.

Концерт для скрипки с оркестром — один из величайших скрипичных оркестров. Если заскучаете в середине, будете вознаграждены в финале: он подарит вам такую красивую и грустную мелодию, что будет сложно удержаться от слёз.

Соната для фортепиано №14 — символ нераздлённой любви. Среди 32 фортепианных сонат Бетховена «Лунная», возможно, не лучшая, но уж точно самая знаменитая; её цитировали многие от Шостаковича до The Beatles.

Чтобы достроить образ, стоит услышать знаменитую Симфонию № 4, созданную им на волне восхищения Италией.

«Скрипичный концерт» Мендельсона не менее важен, нежели бетховенский, но куда более доходчив.

Для многих Чайковский — это «Щелкунчик», «Спящая красавица» и Первый фортепианный концерт. Ничего общего с этим не имеет трио «Памяти великого художника» — трагичное, глубоко интимное высказывание, лишённое какой бы то ни было тяжеловесности и помпезности. Такого Чайковского вы ещё не слышали.

 

 Первую симфонию Брамса называли «Десятой симфонией Бетховена», имея в виду преемственность традиции. Но если девять симфоний Бетховена неравноценны, то из четырёх симфоний Брамса каждая — шедевр. Помпезное начало «Третьей» — лишь яркая обложка для глубого лирического продолжения, достигающего апогея в незабываемом Аллегретто.

Камерный ансамбль — один из тончаших видов музицирования: скрипичная соната, фортепианное трио или струнный квартет часто могут выразить больше, чем балет или симфония. Синоним камерной музыки — имя Брамса, у которого каждое камерное сочинение — шедевр. В том числе Соната для скрипки и фортепиано № 3, незабываемое начало которой рождается из фразы, как бы прерванной на полуслове.

Если симфонический оркестр играет на бис, как минимум в половине случаев дирижёр выбирает Первый венгерский танец, в крайнем случае — Пятый. «Венгерские танцы» — это два десятка миниатюр для двух фортепиано, позже переложенных для оркестра, создавались на основе подлинных венгерских мелодий; результат — 21 образцовый бис.

 

Метод № 2: слушать близких по духу

Музыкальный критик Илья Овчинников считает, что традиция начинать знакомство с классикой через музыку Баха и Моцарта не совсем верна. Ведь есть несколько классических композиторов, музыка которых более созвучна внутренней жизни современного человека. Среди них — Малер, Шостакович и Стравинский. Рубеж веков породил гениев, которые разговаривают с нами на одном языке. Если музыка XIX века, которая составляет основной массив репертуара современных исполнителей, могла уже заранее вам надоесть, то эти произведения наверняка покажутся вам свежими, интересными и близкими по духу.

Слушаем Малера

 

 Хотя большая часть жизни Густава Малера пришлась на XIX век, он стал первым композитором, который, разрушив романтические каноны, смело прыгнул в XX век, очень точно предсказав разорванное сознание людей, которые станут свидетелями мировых катастроф. В его жизни был переломный год, когда он написал произведение необыкновенного трагического накала — Симфонию № 6. Несмотря на свою продолжительность (80 минут), она слушается на одном дыхании, напоминая захватывающий роман с постоянными поворотами сюжета. У Малера почти вся музыка берёт за душу. Её можно не любить, но остаться к ней равнодушным невозможно. С 1960-х благодаря усилиям Леонарда Бернстайна начался малеровский бум, так что услышать Малера вживую не представляет большой сложности.

 

Слушаем Стравинского

 

 Игоря Стравинского не зря называют композитором-хамелеоном. В течение жизни он несколько раз кардинально менял свой стиль, так что, если услышать его произведения, созданные в начале, середине и конце творческого пути, совершенно невозможно поверить, что их написал один и тот же композитор. Стравинский всю жизнь переживал, что, несмотря на то, что он продолжает творить, самыми известными его произведениями остаются ранние балеты — «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная». Премьера балета «Весна священная», поставленного Нижинским, считается самым громким музыкальным скандалом XX столетия. «Весна» — во многом провидческое произведение, рассказ о полулюдях-полузверях накануне эпохи, когда людям предстояло потерять человеческий облик. Для Стравинского это было первое по-настоящему оригинальное произведение, созданное без оглядки на других композиторов, настоящий прорыв. С него вам и стоит начать.

 

Слушаем Шостаковича

 

 В отличие от Стравинского, творчество Шостаковича представляет собой единое целое, как лирика Пушкина или романы Достоевского. У некоторых музыка Шостаковича может ассоциироваться с чем-то грубоватым и «советским». Это ошибочное мнение складывается из-за того, что самым известным (но не самым лучшим) его произведением является «Ленинградская симфония». У Шостаковича есть произведения более яркие, которые могут произвести сильное впечатление на начинающих. Например, Симфония № 5, которую он написал в 1937 году, пытаясь спастись от лавины обрушившейся на него партийной критики. Властям понравилась классическая, ясная структура симфонии и торжествующая пафосная концовка. При этом по содержанию это совершенно гениальное, многослойное произведение, идеальный вариант для знакомства с музыкой Шостаковича. После можно перейти к Симфониям № 6 и № 9. Они обе довольно короткие, пёстрые, настроенческие и не дают заскучать.

 

Метод № 3: теоретический

Если хочется подойти к изучению классики основательно, начиная с азов, можно сначала прослушать несколько теоретических курсов и прочитать пару специализированных книг. Чаще всего новичкам советуют базовый курс Роберта Гринберга How to Listen to and Understand Great Music и его же курс Great Masters, в котором каждая лекция посвящена одному из известных композиторов. Если не понравится манера изложения Гринберга, можно прослушать вводный курс Listening to Music профессора Крейга Райта, который весело и доходчиво объясняет структуру классических произведений. Замечательную двадцатиминутную лекцию о том, как полюбить классику, прочитал Бенджамин Зандер на TED.

Понятных и интересных книг о классической музыке на русском языке не так и много. Можно прочитать «Неполную и окончательную историю классической музыки» Стивена Фрая, «Кратчайшую историю музыки» Дарена Хенли и совсем простенькую «Когда можно аплодировать» скрипача Дэниэла Хоупа. В серии «ЖЗЛ» можно найти биографии многих композиторов, например, несколько лет назад вышла очень удачная книга о Чайковском. Возможно, для начала читать жизнеописание Листа или Шопена будет интереснее, чем читать о Бахе, жизнь которого была не столь богата яркими событиями и любовными драмами.

Метод № 4: эмоциональный

Академическую музыку окружает множество предрассудков, и один из главных заключается в том, что все классические произведения якобы похожи одно на другое. Это не так. Дуглас Адамс однажды написал: «Моцарт рассказывает нам о том, как это — быть человеком, Бетховен — как быть Бетховеном, а Бах размышляет о том, как чувствует себя вселенная». Один из способов познакомиться с классикой как раз состоит в том, чтобы оценить всё её разнообразие, выделив индивидуальный характер музыки каждого композитора. Для этого музыкальный обозреватель Бенджамин Карлсон советует попробовать соотнести их музыку с вашими собственными эмоциями и настроениями. Слишком часто классику начинают слушать «головой» и из-за этого упускают её суть.

Например, для романтичного состояния подойдут волшебные композиции импрессиониста Дебюсси. Для сосредоточенной работы — систематичный и сдержанный Бах и другие барочные композиторы. В моменты душевной смуты — Шопен и Шуберт. Когда переполняет гнев, почему бы не послушать Бетховена или Вагнера? Весело и свежо на душе — Моцарт. Взвинченное, нервное состояние — Лист. Хочется эпики и трагедии — Брамс. Иронии и излома — Прокофьев и Стравинский. Безусловно, это деление грубое и сугубо субъективное. Однако сам принцип — посмотреть на классику через призму эмоций — возможно, поможет вам сделать первый шаг в сторону её понимания.

Метод № 5: уточняющий

Важно понять, что вы и так окружены классикой, осталось только её распознать. Вы уже знакомы с очень многими классическими произведениями, просто не знаете, как они называются. Есть мелодии, которые мы постоянно слышим в кино, рекламе, телевизионных заставках и звонках на чужих телефонах. Например, вы много раз слышали устрашающую кантату Carmina Burana Карла Орфа, завораживающий «Дуэт цветов» из оперы «Лакме» Лео Делиба, арию Nessun Dorma из оперы «Турандот» Пуччини, сюиту «Утро» из «Пер Гюнта» Грига. Метод заключается в том, что, когда вы в очередной раз услышите знакомую мелодию в фильме, вы просто должны найти в интернете её название и затем прослушать полностью. 

Метод № 6: ходить на концерты 

Слушать классику в записи — это хорошо, но большего эффекта вы достигнете, если начнёте слушать её вживую. В Рахманиновском зале Московской консерватории чуть ли ни ежедневно проходят недорогие, а порой и бесплатные концерты. Кого из современных исполнителей, часто выступающих в Москве, стоит услышать обязательно? Пианиста Алексея Любимова, Геннадия Рождественского, Михаила Плетнёва, виолончелистку Наталью Гутман, альтиста Максима Рысанова. Среди дирижёров следует обратить внимание на Владимира Юровского, возглавляющего Госоркестр, и Александра Рудина, руководящего одним из лучших камерных оркестров России Musica Viva.

Экспресс-метод

Однажды музыкальный критик The Guardian Том Сервис по просьбе радиодиджея BBC составил недельный гид-введение в классическую музыку. Чтобы музыка подействовала, Сервис попросил слушателей «сесть на классическую диету», то есть в течение пяти дней не слушать никаких других композиций, кроме предложенных им. Ниже представлен распорядок, составленный Сервисом. Три сочинения, рассчитанные на день, всегда представляют три различные музыкальные эпохи.

Первый день:

Джоаккини Россини — «Вильгельм Тель»И. С. Бах — «Вариации Гольдберга» Джон Адамс — «Краткая поездка в быстрой машине»

Второй день:

Франц Шуберт — Струнный квинтет в си, Адажио Бедржих Сметана — «Влтава» Стив Райх — «Музыка для 18 исполнителей»

Третий день:

Джузеппе Верди — Dies Irae из «Реквиема» Игорь Стравинский — «Жар-Птица» Карлхайнц Штокхаузен — Gesang der Junglinge

Четвёртый день:

Морис Равель — «Болеро» Густав Малер — Симфония № 2 Дьёрде Лигети — «Реквием»

Пятый день:

Эдуард Элгар — «Энигма-вариации» Людвиг ван Бетховен — Симфония № 9 Кшиштоф Пендерецкий — «Плач по жертвам Хиросимы»

s30421808267.mirtesen.ru



О сайте

Онлайн-журнал "Автобайки" - первое на постсоветском пространстве издание, призванное осветить проблемы радовых автолюбителей с привлечение экспертов в области автомобилестроения, автоюристов, автомехаников. Вопросы и пожелания о работе сайта принимаются по адресу: Онлайн-журнал "Автобайки"